10 představení, která můžete sledovat online

Domácí kino: 10 britských představení, která můžete sledovat online

Jsou situace, kdy je návštěva divadla a obdivování jeho atmosféry životní nutností, ale taková příležitost neexistuje. Nebo se úkol ukáže být ještě obtížnější: výkon, o který máte zájem, se odehrává v jiné zemi. Time Out ví, že vzdálenost není překážkou pro umění, a nabízí 10 britských produkcí, které můžete sledovat online.

„Fleabag“, 2019

Fleabag – název hry v originále – se překládá jako „pytel blech“. Nebylo náhodou, že Phoebe Waller-Bridge pojmenovala svůj výtvor právě takto – v dětství byla Flea její přezdívka. Mnozí z těch, kteří seriál viděli, vědí, že vyrostl ze stejnojmenné one-man show, za kterou byla Phoebe třikrát nominována na cenu Laurence Oliviera.

Migrace projektu z divadla na plátno se děje často – a přesto je to málokdy úspěšné. Obvykle „stěhování“ nesplňuje očekávání, ale Waller-Bridge to všechno zvládl. Příběh excentrické, nešťastné hrdinky, která nepředstírá velké cíle, dělá chyby a neúspěšně se snaží vyrovnat se sebenenávistí, se všem líbil:

„Každý je trochu jako Fleabag a Fleabag je trochu jako každý.“

V sérii Phoebe pomáhaly takové pecky jako Olivia Colman a Andrew Scott, ale v one-woman show odvádí skvělou práci sama. Na jevišti má herečka jen židli a chuť vyprávět to, co není zvykem říkat nahlas. Tato bolestně trapná upřímnost, stejně jako dokonalá rovnováha mezi humorem a dramatem, je úspěchem tohoto díla. Waller-Bridge hájí právo být sám sebou a o své hrdince říká:

„Je to bojovnice, chce být vtipná, bavit se a skvěle se bavit, a zároveň zoufale potřebuje blízkou komunikaci – každý tomu v té či oné míře rozumí. Je prostopášná, úzkostná, zaneprázdněná, unavená – stejně jako my ostatní.“

„Fleabag“ se přesunul z jeviště na obrazovku, ale u „Whiplash“ je to naopak. Hru s Judem Lawem v hlavní roli režíroval Ivo van Hove inspirovaný stejnojmenným filmem Luchina Viscontiho z roku 1943. To zase bylo založeno na románu Jamese Caina Pošťák vždy zvoní dvakrát.

Possession je spolupráce mezi divadlem Barbican a Toneelgroep Amsterdam. Pohledný tulák Gino spolu se svou milovanou Giovannou (Halina Rein) zabije jejího manžela Giuseppe (Gijs Scholten van Aschat). Režisér poznamenal, že děj „Posedlost“ mu připomíná řeckou tragédii:

„Cítíte, jak moc se každá z postav snaží změnit svůj život, ale od samého začátku je jasné, že se to nestane. Diváci přitom chtějí, aby uspěli. Doufají, že se jim podaří osvobodit se a uniknout z tohoto světa. V tom hra připomíná řeckou tragédii, v níž se vždy snoubí utopie, naděje a naprosté zoufalství – jako v posedlosti dvou hlavních postav.

Pro Judea Lawa byl Whiplash prvním představením po mnoha letech, ale i přes svůj vzácný výskyt na jevišti vždy vřele mluví o divadle – koneckonců herec začal svou kariéru na jevišti. Je si jistý, že divadlo má mnoho podob, takže bude žít navždy:

„Vyprávíme si příběhy po tisíce let – vrací se to k posezení u ohně a mám pocit, že to bude vždy součástí naší kultury.“

One-man show Andrewa Scotta sleduje mladého fotografa Alexe, jak se snaží vyrovnat se smrtí své osmileté dcery Lucy. Poprvé byla uvedena v roce 2008 v Bush Theatre v rámci festivalu krátkých her, o rok později inscenace debutovala samostatně v Divadle Traverse a v roce 2012 vyšla její videoverze.

Drama režírované divadelním režisérem Georgem Perrinem podle scénáře britského dramatika Simona Stevense trvá asi půl hodiny, ale je nepravděpodobné, že by do této minutky mohl někdo vložit více citu. „The Seawall“ je pronikavě bolestivá a citlivě zahraná, ale Scott dává hře veškerou čest. Říká, že je velmi krásná a vše, co musel při přípravě udělat, bylo usilovně studovat text. Pak podle herce není třeba příliš hrát:

„Nebylo to pro mě těžké. Nepřehrát je mnohem obtížnější. Možná jsem s tím musel trochu bojovat. Tomu se musíte snažit odolat, jinak to dopadne hrozně. Líbí se mi rčení, že si pro zábavu vyprávíme smutné příběhy. Je v tom kus pravdy.“

„Hamlet“ na scéně divadla Barbican je jedním z nejznámějších současných anglických představení v Rusku. To je vysněná role téměř každého herce a Benedict Cumberbatch není výjimkou. Herec řekl, že cítil tlak času, protože obvykle se tento hrdina hraje v mladém věku. Během přípravy si herec najednou uvědomil, že klíčem k rozuzlení legendárního obrazu bylo jeho otcovství.

„Dřív jsem si myslel: Abyste mohli hrát roli Hamleta autentičtěji, musíte být bezdětní. Myslel jsem, že by to mohlo narušit hru, ale překvapivě, když se sám stanete otcem, začnete svým rodičům lépe rozumět.“

Herec popsal závěrečnou scénu Hamletovy smrti jako závan úlevy a klid před bouří bezprostřední sebekritiky. Cumberbatch se přitom musel „rychle svléknout z kůže“ a znovu se postavit – na hledání duše nebyl čas, protože se musel najíst, vyspat a hned běžet za synem.

Další hra Ivo van Hovea byla nastudována před Whiplash v Young Vic. Režisér adaptoval stejnojmennou hru Arthura Millera o tragickém příběhu zakázané lásky. Herecké obsazení hry je velmi přesvědčivé, i když především stojí na výkonu Marka Stronga. S touto inscenací se po 12leté přestávce vrátil do divadla:

„Vždycky jsem hledal příležitost vrátit se, nikdy jsem nechtěl být pryč z pódia tak dlouho. Když jsem byl mladší, pamatuji si, jak mi herci říkali, že čas rychle utíká. Přesně tohle se mi stalo. Hrál jsem ve filmech a nemohl jsem hrát ve hrách, protože jsem neměl čas ani na zkoušky. Kromě toho bylo velmi obtížné najít pro sebe vhodný materiál po strýci Váňovi v Donmaru, a pak jsem poprvé četl tuto hru a říkal jsem si, že je úžasná.“

Longshoreman Eddie Carbone žije v Brooklynu se svou ženou Beatrice (Nicola Walker) a neteří Catherine (Phoebe Fox). V určitém okamžiku je navštíví Beatricini příbuzní, bratři Marco (Iman Elliott) a Rodolfo (Luke Norris), kteří do země vstoupili nelegálně. Pro rodinu to není problém a oni je ukryli. Rodolfo se však do Catherine zamiluje a Eddie se proti jejich vztahu bouří.

Hra má tři ceny Laurence Oliviera a jednou z nich je samozřejmě Strong.

Hra Gregoryho Dorana na Barbican vypráví příběh o osudu Richarda II. a uchopení moci jeho bratrancem Henrym Bolingbrokem. Aby mohl David Tennant hrát anglického krále, musel si nechat narůst vlasy a ve volném čase nosil herec culík nebo dlouhý cop. Tennant řekl, že scénář ve verši mu pomáhal a bránil mu v učení se té role.

„Protože existuje jambický pentametr, má každá fráze deset přízvuků a je třeba se dostat do rytmu a rýmu. Když si tedy zapamatujete text, v hlavě vám vzniknou určitá spojení. Na druhou stranu, když nějaké slovo vypadne z paměti, je obtížnější ho napasovat, protože tam je určitý rytmus.“

Herec také musel přejít z hraní ve filmech na hraní na jevišti:

„Tohle je jiný typ herectví, myslím, že všichni herci byli trochu nervózní, protože v divadle je všechno nějak přehnané, je potřeba vyprávět příběh přehnaně: širokými gesty, hlasitým hlasem, někdy máte plivat! To se ve filmech ani v televizi nestává. Všem chvíli trvalo, než si na to zvykli.“

Daniel Radcliffe hraje v divadle od roku 2004 a hra „Rosencrantz a Guildenstern jsou mrtví“ je zatím poslední, na které pracoval. Název okamžitě připomíná slavný film s Timem Rothem a Gary Oldmanem a malým prvkem kontinuity je, že Radcliffe je velkým fanouškem. Podle herce svého času samotné vědomí, že on a Oldman byli ve stejné místnosti na natáčení ságy o Harrym Potterovi, výrazně zlepšilo kvalitu jeho herectví. Oldman v tom filmu hrál Rosencrantze a Radcliffe si nemohl nechat ujít šanci zahrát si stejnou roli.

Hru nastudoval David Leveaux v Old Vic a Guildensterna ztvárnil Josh McGuire. Všichni účastníci produkce se dobře znali ze své práce v minulých projektech a Daniel Radcliffe z toho měl velkou radost:

„Je skvělé přijít na první zkoušku a nemyslet nejprve na hledání společného jazyka, ale rovnou začít pracovat.“

Herec, který se považuje za zlatého retrívra, není tou nejzřejmější volbou, jak hrát zlomeného a přesto děsivého válečníka. Samotná přítomnost Toma Hiddlestona však dala představení vyniknout. Role se pro něj stala výzvou, protože Gnaeus Marcius Coriolanus je těžké se vcítit do:

„Nelíbí se publiku tolik jako Hamlet, Romeo, Julie, Rosalind, Othello nebo Lear, ale v jeho zvrácené upřímnosti, stavěné vedle sebe s ignorancí a opovržením, lze nalézt jistou čistotu.“

V okolí divadla Donmar není moc co se toulat – kdysi to byl sklad banánů a antická tragédie má velký rozsah. Aby režisér Josie Rourke předal podstatu bez ztráty smyslu, zjednodušil vše natolik, že se nepřipravený divák bude cítit okraden. Tato ostrá přímočarost je do jisté míry odrazem hry – Tom Hiddleston řekl, že stylisticky se Coriolanus liší od ostatních shakespearovských děl:

„Drsná a instinktivní poezie hry nemá nic společného s elegancí, krásou, jasností a šarmem, které se nacházejí v jiných Shakespearových dílech. Chybí zde vřelost a radost z jeho komedií. A přesto je ta bezmezná vážnost a napětí hry strhující.“

Coriolanus má vynikající herecké obsazení – velmi zajímavá je tvorba Deborah Findlay a Marka Gattise, známého masovému publiku z role Mycrofta v televizním seriálu Sherlock.

Režisér Danny Boyle vytvořil pro herce chytrou spolupráci: vyměnili si role a střídavě hráli Doktora a Zvíře na jevišti Královského národního divadla. Benedict Cumberbatch řekl, že to bylo těžké ve všech ohledech: „Odcházím z jeviště s roztrženým rtem, vykloubeným kloubem, modřinami na zápěstích a zhubl jsem pět kilo vlastní váhy.“ Jonny Lee Miller se podíval na obrácení rolí z pohledu výzkumu:

„Mít možnost sledovat jeden druhého při každodenních zkouškách, kde si vyměníme postavy a vidět jiného herce hrát roli, se kterou pracujete, je zpočátku docela zvláštní, ale pak si na to zvyknete a je jasné, že je to úžasné, protože zvenčí vidíte, které techniky fungují a které ne.“

Pro režiséra hry bylo hlavní najít v hercích nebojácnost, a ne podobný typ. Cumberbatch také není příznivcem jednoduchých řešení:

„Nesnáším tyto stereotypy, že jsem vědec, kterému se z nějakého důvodu podařilo neabsolvovat další vzdělávací kurz, a Miller je namalovaný psychopat z Trainspottingu.“

Zdálo se, že Jonny Lee Miller se o otázku srovnání nejméně zajímá:

„Victor and the Creature mají ve hře dohromady jen dvě velké scény, i když to na pocitu nepoznáte. Tyto kousky jsou skvělé a skvěle se s nimi hraje bez ohledu na to, v jaké postavě jste. Nesoupeříme, vzájemně se podporujeme a inspirujeme.“

Ve Frankensteinovi lze nalézt mnoho významů, z nichž nejzřetelnější je touha stát se Bohem, nebo se alespoň pokusit pochopit, zda je to možné. Pro Cumberbatche je však hlavní věc v románu jiná:

„Co je na Victorově experimentu opravdu špatné, je to, že se o svůj výtvor nestará. Myslím, že je to nakonec příběh o selhání rodičů.“

Režisér Richard Eyre řekl, že britské divadlo kolonizovalo Čechova stejným způsobem, jakým ruské divadlo kolonizovalo Shakespeara. Jedním z nápadných příkladů je strýček Vanya Iana Ricksona v divadle Harolda Pintera s Toby Jonesem a Richardem Armitagem.

Režisér byl potěšen obrazem Ivana Petroviče Voinitského, který Jones ztělesnil. Podle Ricksona dokázal herec vyjádřit hluboké city bez sentimentality, projevil existenciální krizi a strašlivou melancholii. Tato role je speciální pro Tobyho Jonese:

„Byla na velmi krátkém seznamu rolí, které jsem opravdu chtěl. Bylo to poprvé, co jsem četl a viděl tuto hru Čechova na jevišti. Neřeknu, že je to moje životní role, protože by mě to odřízlo od budoucích příležitostí. V Čechovových dílech je důležité, aby byli hrdinové slyšeni, povšimnutí, zohledněni a záleželo jim. Je v tom prvek klasické krize středního věku, ale také něco opravdu hlubokého.“

Představení bylo nahráno během pandemických omezení. Armitage poznamenal, že je zvláštní, že na pódiu bylo více lidí než v publiku. V „strýčku Vanya“ herec hraje roli doktora Astrova. Přiznává, že karanténa ho přiměla dívat se na postavu jinak:

„Z pohledu lékaře je ve hře spousta situací souvisejících s epidemií a stresem. Nyní se čtou jinak. Čechov napsal tuto hru, když umíral na tuberkulózu, a byly za ním dvě epidemie. Čechov byl jako lékař v první linii. Pro Rusy, kteří v té době sledovali představení, byla myšlenka na smrtelnou nemoc mnohem naléhavější. Náhle se hra v poslední době stala mnohem aktuálnější.“